La beauté de ces objets réside à la fois dans la texture du son et dans l'élégance du code.
Pendant des siècles, les musiciens ont flirté avec la technologie, repoussant les limites de l'art - du thérémine aux expériences avec le film du milieu du siècle dernier. Malgré ces passe-temps, les tentatives de génération de musique en utilisant le code de programme se sont taillées une très petite niche. Au cours des 70 dernières années, les rares qui ont osé le faire se sont retrouvés à l'intersection du diagramme de Venn entre programmeurs et musiciens d'avant-garde.
Les résultats de ces travaux ne ressemblent à rien de ce que vous avez jamais entendu - et certains des efforts les plus ambitieux croisent l'audio analogique et numérique ensemble.
J'ai interviewé des personnes qui utilisent du code pour créer de la musique de toutes sortes, des simples échantillons aux émissions de radio générées en direct par des algorithmes, en passant par la promotion des qualités marxistes des logiciels open source. Malgré l'utilisation de techniques technologiquement sophistiquées et la plongée dans les profondeurs de l'algèbre, ils recherchent tous quelque chose de simple: un bac à sable créatif, non limité par les conventions du temps et de la théorie.
"La façon de penser suggérée par le programme"
Composition du nouvel album de Karl Stone " Stolen Car "
Karl Stone bricole des samples depuis 1973 (dans l'environnement des manipulateurs sonores, le verbe "mangle", qui signifie "déformer", est utilisé pour désigner ces manipulations). Il les sort de la musique commerciale, les déchire et les recolle sans signification. Les résultats peuvent ressembler à tout, d'une chanson populaire jouée à l'envers à la prise de vue automatique avec les sons d'une voix humaine. Par conséquent, je (en entendant en février 2020 une transmission qui ressemblait à une attaque sonore, à partir de laquelle les personnes âgées se sont bouchées les oreilles) n'était pas surpris qu'il utilise exclusivement Max - un langage de programmation aimé par beaucoup pour générer de la musique et du multimédia. Il s'agit d'un espace de travail visuel dans lequel les équipes musicalesdésigné par des blocs modulaires maintenus ensemble par des connexions virtuelles. La conception gratuite du programme vous permet de mener des expériences.
«Chaque session de programmation commence par une table rase», dit Stone. «Ce n’est pas comme tous les autres logiciels commerciaux qui ont des hypothèses et des optimisations intégrées. Le programme Ableton Live, que je respecte, par exemple, limite la réflexion de l'utilisateur par son propre cadre. "
Sans ces cadres directeurs, les compositions de Stone sont carrément surréalistes. Il compare ses œuvres, collectées à partir d'échantillons, à des anagrammes: "Ils ont une similitude avec le sens sémantique, mais étrange."
Stone, 67 ans, né à Los Angeles et diplômé de CalArts, a peu d'expérience en programmation et écrit de la musique sur ordinateur depuis 1986. Il a travaillé avec des programmes de musique algorithmique des années 80 comme Jam Factory et l'influent programme Music Mouse de Laurie Spiegel. Il décrit les ordinateurs des années 80 comme "portables" et a tourné pendant de nombreuses années avec le Macintosh SE / 30.
Karl Stone en concert avec un Apple Macintosh SE / 30 au début des années 1990.
Exemple typique de l'espace de travail de Max Stone.
Vous ne copiez pas cette disquette?
* "Ne copiez pas cette disquette" - une référence à une publicité bien connue dirigée contre la copie piratée de logiciels / env. trad.
Stone a découvert Max (du nom du pionnier de l'informatique musicale Max Matthews ) en 1989 alors qu'il vivait dans une résidence d'art au Japon lorsqu'un ami a partagé une copie piratée d'une disquette avec lui. À ce moment-là, Max ne pouvait envoyer des informations qu'au format MIDI et ne pouvait pas traiter les signaux. Stone a commencé à se produire avec lui, souvent avec des vidéastes, des danseurs et des musiciens japonais.
Il a supervisé la transformation du programme pendant de nombreuses années: plus tard, il a inclus le traitement du signal et le traitement du flux vidéo. Le programme a été divisé entre plusieurs sociétés et Stone est devenu un bêta-testeur officiel à différentes étapes de son développement. Finalement, l'un des développeurs du programme a fondé Cycling '74 pour le vendre. Une société tierce a utilisé Max comme prototype pour créer le programme musical extrêmement populaire Ableton Live . En conséquence, les deux programmes ont fusionné, puis Ableton a complètement absorbé Cycling '74.
Stone a résisté de manière prévisible aux contraintes linéaires forcées d'Ableton, et son travail récent semble plus radical que celui d'il y a 30 ans (l'une de ses nouvelles compositions est très similaire au sous-genre électronique vaporwave, bien qu'il affirme lui-même ne pas avoir entendu parler de lui). Il joue avec un iPad, un ordinateur portable et un chapeau en feutre sur la tête. Il utilise le protocole OSC (Open Sound Control) pour envoyer des données de contrôle aux patchs Max. Depuis 2001, il vit au Japon de manière permanente et enseigne à l'Université Chukyo, mais il a passé la quarantaine à Los Angeles à enseigner aux étudiants japonais via Zoom à 2 heures du matin, heure locale.
Son dernier album "Stolen Car" (une anagramme de son nom Carl Stone) est sorti le 25 septembre.
"Le code est de la musique"
Alors que Stone travaille sur un produit de programmation visuelle commerciale, les amateurs de musique de programme à Berlin, Oslo et Stockholm sont passés à un langage de texte open source. L'un des centres de cet art est le label XKatedral Stockholm . La cofondatrice Maria Horn, le collaborateur Daniel Carlson et le musicien David Granström m'ont appelé via un lien vidéo à 4 heures du matin (mon heure) depuis leur studio. Ils ont présenté leur orgue antique en métal noir et une vue de Mälaren, le troisième plus grand lac d'eau douce de Suède.
Patch réalisé par Maria Horn avec SuperCollider
Tous les trois créent un genre de drone électroacoustique qui rappelle des musiciens expérimentaux et des groupes comme Tim Hecker , Sunn O)))et Taylor Dupree . J'ose caractériser cette musique comme l'accompagnement parfait pour se perdre dans la toundra suédoise. Ils utilisent le langage SuperCollider , sorti en 1996 et qui se développe activement en tant que projet open source depuis 2002. Ils jouent avec des contrôleurs MIDI, bien que Granström soit passé par une phase puriste de «code est musique» où il se tenait juste à côté de son ordinateur portable et exécutait son patch.
Lorsqu'ils ont commencé à coder au Royal College of Music de Stockholm, Horn et Carlson ont trouvé le langage extrêmement difficile - jusqu'à ce qu'ils commencent à utiliser des «modèles», l'un des cinq paradigmes SuperCollider. Ils fonctionnent avec des phrases déclaratives sans état, permettant une création plus rapide et plus naturelle. Granström utilise également des motifs, mais comme tout le monde dans le groupe le qualifie de génie, il maîtrise facilement ce langage.
«J'ai été vraiment impressionné par le fait que SuperCollider était gratuit», déclare Horn. - Si vous débutez dans la programmation musicale, l'achat d'un programme comme Max sera une étape très sérieuse pour vous. Et j'ai aimé le fait qu'il existe déjà une communauté autour du programme où vous pouvez apprendre les uns des autres. " En discutant de ce sujet, Carlson explique ce que le duo entend par «libre» - «open source, liberté légale, selon les préceptes de Stallman». Et quand Horn décrit la nature disruptive des logiciels open source, Carlson ajoute: «Je veux que tout le monde ait accès à tout. Je veux que chacun ait la liberté d'expression. Je suis marxiste. "
Horn interrompt la discussion avec un seul mot - «culte» - tandis que Carlson commence à développer le thème de ses aspirations égalitaires de l'open source dans l'art avec une vengeance. Le récent projet de Horn, Kontrapoetik , utilise des références expérimentales de justice sociale aux mouvements ouvriers suédois, aux procès de sorcières et aux interprétations féministes du satanisme. Vous pouvez écouter les projets de la trinité en suivant les liens ( lien , lien , lien ).
24 heures de chaos
Composition FieldsOS de William Fields
Contrairement aux musiciens mentionnés ci-dessus, William Fields de Philadelphie n'a jamais joué d'un "vrai" instrument (les Suédois ont joué dans un groupe de metal et le groupe de bruit de Stone s'est récemment réuni pour fêter son 55e anniversaire). Fields a fabriqué son propre instrument.
Fields, 42 ans, a toujours eu une passion pour les ordinateurs. Tout a commencé avec son premier Commodore 64 et se poursuit avec sa carrière informatique. Dans les années 90, il a utilisé des DAW (stations de travail audio numériques - quelque chose comme Ableton), dessinant minutieusement toutes les notes à la main. Quand tout son temps libre a commencé à être consacré aux enfants qui apparaissaient dans la famille, il s'est mis à l'improvisation. Tout d'abord, il a modulé les performances en direct d'amis, ajoutant des effets audio supplémentaires. Peu à peu, il a développé de plus en plus d'effets, jusqu'à ce qu'il crée son propre système d'interprétation, qu'il n'avait pas encore rendu public.
Son système fonctionne sur un ordinateur portable en utilisant REAPER et JSFX pour générer du son. Tout est contrôlé depuis l'iPad grâce à une interface spécialement développée à l'aide de l'application Lemur. Il appelle son système FieldsOS et dit qu'avec une interface conçue par lui-même, "vous pouvez développer la mémoire musculaire et très bien jouer de votre propre instrument".
Interface pour FieldsOS propre à FieldsOS sur l'iPad de Fields
La chose la plus intéressante a commencé quand il a créé un bouton qui randomiserait tous les paramètres. «La randomisation m'aide à explorer l'espace des opportunités musicales et à y trouver des endroits intéressants que je ne trouverais pas autrement», déclare Fields. "Sinon, je ferais des rythmes 4/4 avec une caisse claire sur les mesures 2 et 4."
Il a commencé à modifier les propriétés de l'aléatoire pour que le son ne soit pas complètement terrible, et a finalement proposé des boutons, qu'il appelle «genre». «J'ai d'abord créé un bouton techno. Il a limité certaines choses - par exemple, garanti une grosse caisse 4/4. "
Il a rapidement commencé à ajouter l'automatisation des processus avec JavaScript. FieldsOS s'est limité en appuyant sur le bouton de redémarrage toutes les 30 secondes. «C'était comme une machine à sous», dit-il. Il a annoncé son concept à la radio expérimentale britannique Resonance Extra. On lui a accordé une heure d'intervalle, et il a consacré chaque heure de sa transmission à un nouveau bouton de genre, les codant une fois par semaine et les diffusant sans aucun montage. Parmi les genres figuraient Footwork, Wonky et UK Garage, ainsi que ses propres genres inventés tels que la "techno brownienne", dans laquelle la composition se désagrège progressivement, et la "musique de reproduction", dans laquelle les chansons "jouent" les unes avec les autres. Finalement, il a commencé à manquer de genres et a publié une archive de 24 heures sous forme d'album sur le site Web de Bandcamp.et fini avec ça. Le brillant futuriste de l'énorme album à 24 $ sonne comme s'il s'accélérait, se dirigeant vers l'infini.
Fields recherche actuellement un développeur d'applications mobiles pour transformer FieldsOS en un produit commercial. Son nouvel album "Traction" est sorti le 4 septembre.
"Incorporation de boucles dans des boucles"
Démo TidalCycles du flux récent d'Alex McLean
J'ai parlé avec trois personnes du mouvement de codage en direct à la fois - le créateur de la communauté Alex McLean et les passionnés de genre, Daniel Raeger (surnom {pyromane}) et Mike Hodnik (surnom Kindohm) - alors qu'ils insistaient sur le fait que leurs histoires sont étroitement liées. Ils utilisent l'environnement de bureau TidalCycles pour l'encodage en direct de la musique. C'est une bibliothèque pour le langage Haskell avec son propre DSL (Digital Simulation Language) connu sous le nom de Tidal Mini-Language (oui, TidalCycles s'appelait simplement "Tidal" avant le service de streaming de Jay-Z).
En fait, c'est un synthétiseur complexe - il n'a pas de système de sortie de signal comme le Max, mais les artistes le raccordent avec le SuperCollider et beaucoup d'autres instruments. Tous ceux à qui j'ai parlé ont parlé de sa capacité à produire des paysages sonores complexes à partir de seulement quelques lignes de code. Raeger aime l'approche algébrique du programme de la musique et la capacité d'écrire des parties de batterie en utilisant des algorithmes de division du reste.
L'inventeur de TidalCycles Alex McLean a commencé à coder en direct en 2002 en utilisant Perl, mais il n'aimait pas les temps de latence de l'ordinateur. Il s'est inspiré du système d'enregistrement tabla de Bol Processor et a créé un environnement qui plonge l'utilisateur dans une "boucle de rétroaction étroite" de sa propre musique.
«Tout est question de cyclisme, de structures métriques et de polyrythmies, c'est pourquoi le système s'appelle TidalCycles - il s'agit d'incorporer des boucles dans des boucles et de les transformer», explique McLean. "Il s'agit de présenter la musique comme un comportement plutôt que comme une notation." McLean aime les modèles en tant que concept. Au travail, il explore les structures des pratiques textiles de la Grèce antique. Il a intégré la programmation dans ce processus en créant un métier électromécanique .
Il a sorti TidalCycles en 2009. Il a une clientèle active, commençant à organiser des soirées dansantes, que lui et son ami Nick Collins (l'un des auteurs du livre sur SuperCollider) appellent «Algoraves».
Révéler des outils
SWGbbo Algorave, un algorave virtuel 16 bits, qui se tient le 26 juin 2020
- 10-13 Algoraves se déroule dans des ateliers, des anciens théâtres, d'autres lieux, ainsi que dans des clubs ordinaires. Un événement peut rassembler 20 à 150 personnes - souvent des geeks devenus musiciens ou des musiciens devenus geeks. Les artistes affichent souvent des images d'ordinateurs portables sur un grand écran afin que les participants puissent voir ce qu'ils font. «Libérer vos outils est une caractéristique de cette communauté», déclare Raeger. "Le contraire de nombreuses personnes dans le domaine des arts qui essaient de garder leur processus créatif secret."
Certains musiciens, en particulier environ la moitié de ceux que j'ai interviewés, programment les visuels.pour leurs sets. Il y a un débat dans la communauté pour savoir s'il vaut la peine de démarrer un programme à partir d'un écran noir, ou immédiatement à partir de modèles pré-préparés. Raeger et Hodnik utilisent des modèles, tandis que McLean part de rien.
Le mouvement s'est bien adapté au monde moderne avec la diffusion en direct. «Le penchant pour le partage de votre écran va bien avec le streaming», déclare Hodnik. Les fêtes ont souvent lieu dans des clubs virtuels, accessibles à l'aide de lunettes de réalité virtuelle ou en ouvrant une page dans un navigateur. Votre avatar peut danser sur le codage en direct sur l'écran du club virtuel (souvent diffusé sur Twitch). Vous pouvez suivre l'affiche d'Algorave sur Twitter Algorave »et TOPLAP . Les
derniers albums de Raeger ,Hodnik et McLean peuvent être trouvés sur les liens.
Une déclaration en dehors de la musique
Si vous pensez que cette musique n'est pas très différente de ce qui se fait avec des platines ou des programmes conventionnels, vous avez probablement raison. La déclaration des artistes n'implique pas nécessairement la composition elle-même - elle peut être un appel à programmer leur propre musique ou instrument.
«Programmer de la musique ne consiste pas à essayer d'exprimer ce que j'ai en tête», dit McLean. «Il ne s'agit pas d'IA. Il ne s'agit pas de faire créer l'ordinateur. Et non pas que l'ordinateur vous aide à vous exprimer. Le but est de mettre en œuvre les idées, de les rassembler et de voir ce qui se passe. Utiliser le code comme matériel créatif. Mais le résultat peut vous surprendre. "